Chiharu Shiota

La 14e Carte blanche du musée Guimet est consacrée à la grande artiste japonaise Chiharu Shiota, née à Osaka en 1972 et vivant à Berlin depuis 1999.

L'arc et le sabre : imaginaire guerrier du Japon

La première partie de l'exposition s'organise autour du thème de l'imaginaire et montre comment les samouraïs, élite aristocratique et guerrière, sont mis en scène dans les arts et les spectacles et, au fil du temps.

La deuxième partie présente la façon dont cette classe spécialisée de guerriers de la toute fin du IXe-début du Xe siècle va progressivement prendre la tête de la société japonaise au point de devenir une aristocratie de lettrés qui va occuper une place fondamentale dans la culture nipponne et finir par se confondre complètement avec l'élite politique et culturelle du pays, avec la restauration Meiji en 1868, lorsque l'empereur reprend le pouvoir sur les shoguns.

La classe des samouraïs apparaît vers la fin du IXe siècle. Ceux que l'on appelle bushis, constituent l'entourage des seigneurs provinciaux. Jusqu'au XIIe siècle, le pouvoir est entre les mains d'un empereur qui réside à Kyoto, entouré d'une noblesse de cour. Ce sont les seigneurs les plus éloignés de la cour qui vont s'entourer de groupes armés pour assurer leur défense. Avec la fin de l'époque Heian (1185), le Japon va connaître pendant plusieurs siècles une époque troublée et ce sont ces seigneurs qui vont prendre de plus en plus le pourvoir, la puissance de l'empereur, enfermé dans son palais à Kyoto, ne devenant que purement nominale.

Les groupes armés autour de ces seigneurs, les futurs daimyos vont occuper une place extrêmement importante, militaire et culturelle. Alors qu'ils sont nés en opposition avec la noblesse de cour, ils vont au fil des siècles s'en rapprocher et les idées qui se mettent en place de loyauté, de fidélité au seigneur dans un rapport de dépendance, de vassalité, idéaux des samouraïs, vont peu à peu se confondre avec ceux de la noblesse et de sa culture, à tel point qu'à l'époque d'Edo (1603-1868), ils vont constituer une élite aristocratique.

La panoplie du samouraï. Moins le militaire combat, plus il est jaloux de ses privilèges : armes de plus en plus ornées et surtout le casque qui va prendre une importance croissante. Pour diriger ses hommes depuis l'arrière, le chef doit être reconnaissable de loin, d'où le développement de ces casques spectaculaires qui vont être décorés de symboles illustrant sa force et sa puissance : dragon, serpent, mais, plus surprenant, libellule (très importante dans la pensée japonaise puisque c'est un insecte extrêmement rapide, reconnu pour sa combativité et ne manquant jamais sa proie), lapin (animal véloce allant toujours de l'avant et ne revenant pas en arrière, symbole du combattant qui ne recule pas).

Représentations du samouraï dans l'art. C'est à partir du moment où ils disparaissent en tant qu'institution et ne jouent plus aucun rôle militaire, qu'ils vont entrer dans la légende et coloniser l'imaginaire populaire, au point que la photographie mettra en scène non pas de vrais samouraïs mais des figurants en costume. Le théâtre puis le cinéma vont s'emparer de cette figure tutélaire.

Le No est la première forme théâtrale qui apparaît au Japon au XIVe siècle. Très élitiste, il s'inspire des grands thèmes de la littérature classique qui vont mettre en scène des héros du passé militaire ou mythique du pays. Cette représentation lente et hiératique, sans décors, va mettre l'accent sur les richement décorés permettant de d'identifier les personnages (homme, femme, jeune, âgé) et les saisons.

Collection Morozov : derniers jours

L'exposition organisée par la Fondation Louis Vuitton de quelques deux cents œuvres de La Collection Morozov. Icônes de l'art moderne des frères Mikhaïl Abramovitch Morozov et Ivan Abramovitch Morozov, fermera ses portes le 3 avril. A visiter d'urgence.

Fondation Luis Vuitton : 8, avenue du Mahatma Gandhi, 75016 Paris

Au royaume enchanté des senteurs délicates

"Une femme sans parfum est une femme sans avenir."Coco Chanel

Après deux ans de fermeture pour cause de Covid 19, le musée du Parfum Fragonard a rouvert ses portes. Une occasion de plonger dans l'élaboration de fragrances subtiles et l'histoire du parfum des origines à nos jours.

La visite de ce cabinet des curiosités nous en apprend beaucoup sur l'ancienneté, la diversité et l'étendue géographique du parfum qui de tous temps attira les femmes et les hommes qui désiraient ainsi affirmer leur originalité et leur unicité. De l'Antiquité (les Égyptiens furent les premiers parfumeurs) à nos jours, ce voyage dans le temps et l'espace met en valeur le raffinement des "nez" et la virtuosité des artisans cristalliers et maîtres verriers, créateurs de flacons sublimes.

A l'origine, le parfum (du latin per fumum) était destiné à communiquer avec l'au-delà. Au cours du temps il a élargi son champ d'action au domaine médical (chasser miasmes et maladies) puis cosmétique et reste aujourd'hui une puissante arme de séduction.

Quel que soit son nom, un parfum n'est pas composé que d'une seule effluve. S'assemblent pour le bouquet final les notes de tête, légères et volatiles, qui donnent une première impression qui disparaît rapidement; les notes de cœur, véritable identité du parfum, s'imposent ensuite; et enfin les notes de fond, les plus fortes, dont le sillage laissera une trace durable. Chacune de ses trois étapes harmonisant différentes essences concourent à un résultat final unique.

Pour le composer, des fleurs du monde entier arrivent à l'atelier des concepteurs. Les sécrétions animales (musc, castor, civette, ambre gris du cachalot), qui constituaient également une base de parfum, sont délaissées aujourd'hui au profit des molécules de synthèse. A la fois artistes et chimistes, les "nez" disposent d'un véritable orgue de 1200 senteurs (dont ils ne retiennent que 800 environ). Commence alors un travail de longue haleine avant l'élaboration définitive du jus.

"Les visages de ceux qu'on a aimé s'effacent avec le temps, les voix s'oublient, mais les senteurs, jamais" Marc Lévy

A chacun de composer l'assemblage unique qui n'appartiendra qu'à lui.

Musée du Parfum Fragonard : 9, rue Scribe 75009 Paris (01 40 06 10 09)

Jardins d'Asie

Jusqu'au 20 septembre, le musée Guimet propose une exposition sur les jardins d'Asie. Trois pays sont à l'honneur : l'Inde, la Chine et le Japon.

L'Inde. Quand il fonda en Inde l'empire moghol en 1526, Babur n'eut de cesse d'implanter dans cette terre ingrate, poussiéreuse, croulant sous le soleil nouvellement conquise, de multiples jardins dont il avait admiré la luxuriance en Perse.

Les jardins princiers moghols furent conçus sur le modèle du Tchahar Bagh qui divise l'espace en quatre parties : une structure clôturée et compartimentée avec au centre une fontaine et, disséminés sur une terrasse, cascadelles et jets d'eau installent un bien-être rafraîchissant. Une profusion d'arbres, d'essences, de couleurs et de parfums variés visent à solliciter tous les sens enivrés de beauté. Sans oublier les tapis, où l'on partage une convivialité, en écoutant de la musique : une douceur de vivre loin des tracas de la vie, de purs moments de volupté qui facilitent les rencontres amoureuses. Conçu comme une évocation de l'âme, qui aspire au divin dans son lien à l'amour selon la mystique soufie, le jardin moghol se veut le reflet du paradis sur terre.

La Chine. Le jardin chinois est une représentation de l'univers taoïste. Il se conçoit comme un lieu de partage collectif, qui favorise la composition poétique, la contemplation de rouleaux peints, la création musicale et la pratique d'arts majeurs chers aux lettrés favorisant un accomplissement de soi : la poésie, la calligraphie et la peinture.

Présente mais dissimulée dans la végétation et les tentures, son architecture est propice à une déambulation conduisant à la quête intérieure : pas de grandes perspectives à la manière des jardins moghols, mais un cheminement étape par étape, dévoilant des espaces qui ne se livrent pas d'un seul coup œil, mais qui au contraire permettent de progresser d'une terrasse à un pavillon, d'un pavillon à un belvédère. Ici, la diversité des essences va permettre de créer des jeux d'ombres qui vont faciliter le cheminement à l'intérieur de ces jardins. On va privilégier (comme au Japon) des essences aux significations symboliques : pivoine pour la richesse, lotus pour le bouddhisme.

Tout de convivialité, les Jardins de Lettrés sont une particularité chinoise. Les références poétiques et littéraires y sont toujours présentes, tout comme l'ivresse propice à la création et aux joutes lyriques. Eau, rochers, montagnes et arbres (que l'on retrouve dans les jardins miniatures) sont les éléments essentiels de cette composition. Ils ne font pas que structurer l'espace : ils concentrent les énergies de la nature pour les restituer au promeneur. On ne plante pas un jardin, on le construit. C'est l'idée fondamentale du jardin chinois.

Au Japon, architecture et nature créent une structure savamment dessinée et hautement esthétisée, faisant référence à des poèmes et à toutes formes de littérature qu'on se plaît à rappeler : telle partie du jardin évoquera un paysage, telle autre un poète célèbre. Grâce au jeu de transparences initié par les shojis (portes coulissantes) se dégage un charme singulier, dont jouissent les flâneurs durant leur promenade. On apprécie à partir de kiosques ou de pavillons l'harmonie de la composition. Les claustras confèrent une élégance particulière aux arbres noueux qui concentrent et rediffusent les énergies de la nature au bénéfice de tous ceux qui l'arpentent : les flux circulent ainsi entre végétaux, lanternes et rochers étranges.

Spécialité japonaise, les jardins secs associent aux rochers symbolisant des montagnes ou des îles, des graviers et sable qui peuvent être ratissés , métamorphosant à l'infini l'aspect de ce tableau vivant, conduisant celui qui le contemple à une dimension spirituelle.

Le paysage dans son ensemble devient une source d'inspiration pour l'art pictural et la composition d'haïkus, qui concentrent sur un détail et en quelques syllabes tout un univers d'où va surgir, par le jeu des émotions et des sensations, quelque chose de bien plus vaste et universel.

On l'aura compris : qu'il soit moghol, chinois ou japonais, le jardin vise à créer une émotion sensorielle qui nous porte vers la beauté, le sentiment amoureux et, in fine, le divin. Et nous ouvre ce faisant les portes du paradis.

Musée Guimet : 6, place d'Iéna, 75116 Paris

Une vie de chat(eau)

Une petite promenade sur les Champs-Élysées, chat vous dit ? Jusqu'au 9 juin, vingt répliques du très chat(rmeur) et légendaire chat de Geluck y font un clin d'œil humoristique aux promeneurs.

Peintre, sculpteur, dessinateur et bédéiste, Philippe Geluck a rendu célèbre son impertinent félin qui, tout au long des 23 albums qui lui ont été consacrés à ce jour, apostrophe les lecteurs de sa malice bon enfant. L'auteur offre à sa créature la plus connue des avenues de Paris, pour la plus grande joie des badauds et des enfants ravis de retrouver leur matou favori dans de divertissantes postures. Une belle consécration !

Une formidable équipe de sculpteurs, fondeurs et autres artistes ont été nécessaires pour couler dans le bronze ce représentant rigolard et finaud du bon sens populaire, qui pointe malicieusement, dans tous les domaines, l'absurdité des comportements humains, se mêlant de tout sans complexe, ni sans jamais se départir de son amicale insolence, de sa poésie et de son côté chat(huteur). Rafraîchissant et chat(leureux) !

Chat(peau) !

Paris : dans l'antre de Bacchus

Didier Brault : céramiste, sculpteur et peintre

Au vu de toutes vos œuvres exposées, céramiques, dessins, sculptures, vous avez beaucoup changé de styles tout au long de votre carrière.

Non, ce sont les différentes techniques employées qui donnent ce sentiment. Les pièces en céramique par exemple partent plus de l'idée du plat.

En sculpture, vos réalisez des portraits plutôt.. . tourmentés.

C'est dû à la manière de monter la terre. A la cuisson, cette dernière rétrécit de 10%, ce qui donne cette expression plus squelettique, plus expressive.

Certaines ont été réalisées à partir de modèles vivants. Les autres sont donc sorties de votre imagination ?

Lorsque j'ai commencé, je me suis orienté vers des représentations du monde aérien (oiseaux) ou du monde aquatique. Et même vers des choses assez abstraites. Ensuite, est venue une période un peu plus figurative, avec modèles vivants, parce que j'ai donné pas mal de cours basés sur ce type de représentations. Puis, quand je me suis intéressé à la céramique, j'ai commencé à façonner des oiseaux, non pour représenter les volatiles en particulier, mais plutôt pour traduire l'idée de l'envol, de l'élan. Je procède de la manière suivante : je regarde des oiseaux ou un film comme "Le peuple migrateur". Je m'imprègne d'une atmosphère. Au moment de monter ma pièce, et parce que je suis sculpteur quand même, je transforme l'oiseau comme je le sens, sans vouloir lui donner une forme particulière.

Compte tenu de leur aspect, vos céramiques pourraient servir de corbeilles à fruits ou de vide-poches. On peut facilement leur attribuer un rôle autre que décoratif dans une maison.

Moi c'est la forme qui m'intéresse avant tout. Que ce soit utilitaire ou pas n'est pas le problème. Mais on peut avoir une idée au départ et que cela devienne autre chose.

La pureté des lignes est omniprésente chez vous.

Plus que l'aspect ornemental, je privilégie la forme. Dans ma vie, j'ai partagé des ateliers avec toutes sortes d'artistes. Céramiste, ma femme y a apporté la couleur, la simplicité des lignes et des volumes. Cela m'a influencé pour aller vers des formes plus pures. Le goût évolue. Il y a tellement d'expressions, tellement d'expériences de faites en art. C'est absolument fabuleux.

Procédez-vous de la même manière pour la sculpture ou la céramique ?

De par leur processus de fabrication, la sculpture et la céramique sont des métiers qui nécessitent beaucoup de patience avant d'arriver à un résultat. Cela apporte souvent de la frustration. Il faut accepter de laisser les choses venir. Et accepter aussi l'échec.

Les dessins exposés sont également de vous ?

Oui, à partir de modèles vivants, en atelier. J'aime beaucoup cela. J'ai enseigné au Centre Culturel le dessin et le modelage avec des modèles vivants. C'est très intéressant de transmettre, de recevoir. Même dans la vie, l'échange est essentiel.

Comment procédez-vous ?

J'utilise une technique mixte. Je dessine avec une bougie, donc je ne vois pas mon trait. Je ne suis pas un très bon dessinateur, ce n'est pas mon but. C'est en mettant un lavis d'encre de Chine que le dessin apparaît, puisque l'encre ne va pas prendre à l'endroit où la cire s'est déposée. Le même processus est à l'œuvre en photographie. Comme pour une photo, le résultat va se révéler quand je vais animer la masse. Je rajoute les couleurs après. Il y a tellement de matériaux possibles pour le dessin qui induisent beaucoup d'expériences différentes. Par exemple, je peins aussi à l'acrylique, avec les doigts.

Vous aimez le contact avec la matière.

Il y a un rapport direct de la main au support. L'œil touche le modèle, la main touche le support : un rapport tactile s'installe. Il faut s'amuser. Cela ne veut pas dire que l'on ne va pas dans une direction. On finit toujours par trouver quelque chose qui nous correspond. Quand je suis devant le modèle, j'essaie de passer un bon moment et de me faire plaisir. Après je regarde le résultat, il me plaît ou non. Quand on commence à travailler, il ne faut pas donner trop d'importance au résultat final. C'est ainsi que l'on progresse.

C'est valable pour tous les arts, non ?

Absolument. Le regard très aigu que l'on a quand on est professionnel est forcément différent du regard du néophyte. On se laisse davantage traverser par l'émotion, par la magie de l'œuvre. Tous les gens acquièrent un regard au fur et à mesure. Quand on dit que l'on n'aime pas, c'est soit que l'on est bloqué, soit que l'on n'est pas capable de regarder. La meilleure chose à faire quand on va voir une exposition, c'est de se mettre en immersion totale et de se laisser traverser par ce que l'on voit. C'est à ce moment-là qu'il se passe quelque chose. Il y a une interférence entre le public et l'artiste.

Pour vous, tout le monde peut s'ouvrir à la création ?

Tous les êtres humains sont créatifs. Mais tout le monde n'a peut-être pas envie de s'exprimer de cette manière. Et pour cause : il n'y a pas assez d'enseignement artistique à l'école. Il faut accoucher les enfants de tout ce qu'ils portent en eux : une mémoire, un inconscient, des sentiments différents. Même ceux qui ne savent pas dessiner expriment quelque chose que vous détectez parce que chaque représentation exprime une sensibilité particulière. C'est le développement des sens guidés par l'intelligence de la main. Une pure poésie. La poésie, c'est exprimer ce qui procure de l'émotion avec des mots. Le dessin, la sculpture, la peinture le font avec des lignes, des couleurs, des formes. La musique, avec des notes, des sons. L'art est du ressort de l'émotion. On n'a pas besoin de le comprendre. C'est la raison pour laquelle notre goût est en constante évolution, tout au long de notre vie.

Centre Culturel : 14 ter, rue de l'Hôtel de Ville, 92400 Courbevoie (01 43 33 63 52)